Mary McCartney—
The Courage to Be Real
Die Prager Designwoche begann dieses Jahr mit einem Paukenschlag. Der römische Juwelier Bvlgari versammelte seine Kund:innen und die internationale Designszene zu einer exklusiven Pre-Opening-Party, die den Startschuss für die Designblok Prag gab. In der frisch restaurierten Galerie Rudolfinum – umgeben von Diamanten, Kunst und Champagner – eröffnete die Fotografin Mary McCartney ihre Ausstellung The Courage to Be Real. MAISON Ë traf sie kurz vor der Party, um mit ihr über ihre Arbeit, ihre Inspiration und die Bedeutung des Wortes „Mut” für sie zu sprechen.
(Fotografie) Als die Fotografin Mary McCartney den Balkon der Galerie Rudolfinum in Prag betritt, fängt das Licht des späten Nachmittags sie auf eine sanfte, filmische Weise ein, wie es die Stadt für ihre elegantesten Momente zu reservieren scheint. Unten glitzert die Moldau, während die Design-Szene voller Vorfreude summt – sie wartet auf das glamouröse Pre-Opening des Designblok, der elegantesten Kunstwoche Mitteleuropas. Im Inneren herrscht konzentrierte Ruhe. Zwischen gerahmten Fotografien und sorgfältig arrangierten Blumen bewegen sich Assistentinnen und Assistenten mit geübter Präzision. Letzte Details werden justiert, bevor sich die Türen zu The Courage to Be Real öffnen.
Die Künstlerin selbst scheint sich von all dem Trubel nicht beeindrucken zu lassen. McCartney, die ganz schlicht in Jeans, einem marineblauen Kaschmirpullover und ihrer Signature-Brille gekleidet ist, strahlt eine gelassene Ruhe aus. Vielleicht ist es die stille Selbstsicherheit, die sie als Tochter zweier Ikonen – Paul und Linda McCartney – mitgebracht hat, oder vielleicht hat sie einfach gelernt, ganz nach ihrem eigenen Rhythmus zu leben.
Kurz vor der Eröffnung der Vernissage scheint McCartney ganz bei sich zu sein, ganz sie selbst. Sie begrüßt die kleine Gruppe von Journalist:innen mit Herzlichkeit und einem einnehmenden Lachen. Bevor die Fragen beginnen können, schlägt sie vor: „Schauen wir uns zuerst die Bilder an.“ Keine Spur von Starallüren, keine Pose.
Zusammen mit ihrer Freundin und Co-Kuratorin Martina Lowe, die in Prag geboren wurde, hat McCartney wochenlang ihr Archiv durchforstet, um sich auf dieses Publikum vorzubereiten. Sie druckten Bilder in Postkartengröße aus, verteilten sie auf dem Boden des Ateliers, ordneten sie neu und ließen schließlich ihren Instinkt entscheiden, was zusammenpasste.
McCartney hängt gerne Werke in verschiedenen Größen auf und lehnt vorhersehbare Reihenfolgen ab. „Ich lasse mich leicht ablenken“, gibt sie mit einem Grinsen zu. „Wenn alles gleich ist, hört man auf, hinzusehen.“ Sie glaubt, dass die Variationen das Auge wach halten und die Betrachtenden fesseln. Viele der von ihr ausgewählten Bilder sind anonym – abgewandte Gesichter, halb eingefangene Gesten –, die die Besuchenden dazu einladen, sich in dem Bild zu verlieren, anstatt es nur anzuschauen. Aber unter ihnen, so betont sie, gibt es einige Porträts, die den Blick erwidern. „Ich mag diese Momente des Blickkontakts“, sagt sie. „Sie ziehen einen in ihren Bann, sie fordern einen ein wenig heraus – als würde man sich mit dieser Person unterhalten.“
„Dieses Foto wurde auf Polaroid-Film aufgenommen – man zieht die Folie ab und die Chemikalien hinterlassen diese kleinen Spuren. Kate wirkt fast wie eine kleine Fee. Das Foto hat einen sanften Grünstich und eine zarte Körnung. Es zeigt Seide, Architektur, Handwerkskunst – und dann ihre nackten, schmutzigen Füße. Diese Unvollkommenheit macht das Foto für mich elegant, aber zugleich unfertig. Es war nicht geplant, sondern spontan. Das liebe ich daran am meisten.“
„Dieses Foto wurde hinter den Kulissen einer Veranstaltung in der Royal Albert Hall aufgenommen – alles war Glitzer und Chaos, aber Milla trug immer noch ihre eigene Kleidung, ohne Frisur und Make-up, und probierte nur diese unglaubliche Halskette an. Ich liebte diesen Kontrast – die punkige Lässigkeit ihres Looks im Gegensatz zu all dem Glamour. Das Licht, die Farbe, ihre furchtlose Haltung! Alles kam auf eine Weise zusammen, die sich sehr real anfühlt. Man möchte sie einfach besser kennenlernen.“
„Ich habe Tracey Emin gefragt, ob ich sie als Frida Kahlo fotografieren darf – zwei mutige Frauen, deren Betten zu ihren Ateliers wurden. Frida Kahlo hat viel aus dem Bett heraus gemalt, und Tracey Emin ist berühmt für ihre Bett-Kunstwerke. Wir haben alles sorgfältig vorbereitet, doch es fühlte sich trotzdem spontan an. Als ich die Kamera hob, begann sie, Frida zu verkörpern. Es hätte albern wirken können, aber stattdessen fühlte es sich zutiefst authentisch an. Ihre Hände, ihr Schmuck, das Gewicht davon – es ist voyeuristisch, als würde man durch ein Fenster schauen. Das liebe ich: wenn ein Bild wie ein Filmstill atmet und Fragen offen lässt.“
„Ich liebe dieses Bild wegen seiner ruhigen Eleganz und Anonymität – es fühlt sich unverkennbar britisch an. Als Londonerin empfinde ich es als eine Verbeugung vor meinem Erbe.“
„Das war während eines Mode-Shootings im Barbican – zwei Polizisten kamen vorbei, also bat ich sie, mitzumachen. Das Bild vereint Humor und Kuriosität. Ich kannte sie nicht, aber später habe ich mich immer wieder gefragt, wer sie waren – einer sah fast zu jung aus, als würde er noch in seine Kleidung und seinen Job hineinwachsen, während der andere so gefestigt wirkte. Das liebe ich an der Fotografie: Man nimmt etwas in einer Sekunde auf, dann schaut man es sich noch einmal an und beginnt, es zu hinterfragen. Das hält die Fantasie wach.“
Maison Ë Wie hat sich Ihre Sichtweise auf die Porträtfotografie im Laufe der Jahre verändert?
Mary McCartney Ich habe gelernt, mich ruhig in jede Situation einzufinden. Oft kenne ich die Person nicht oder werde in eine sehr private Umgebung eingeladen. Also versuche ich, die Stimmung zu erfassen – möchten sie angeleitet werden oder bevorzugen sie es, wenn ich einfach nur beobachte? Manchmal ist es beides. Im Laufe der Zeit habe ich mir eine Art „Trickkiste“ zugelegt – Methoden, mit denen ich gerne an Dinge herangehe. Selbst wenn ich eine Szene beleuchten muss, möchte ich, dass sie natürlich aussieht. Ich möchte nie, dass die Betrachtenden das Gefühl haben, hinter der Kamera stecke eine große Produktion. Es sollte sich so anfühlen, als gäbe es nur mich, das Foto und die betrachtende Person – sehr direkt, sehr real.
M.Ë Unter all diesen Frauen gibt es nur einen Mann. Das allerletzte Bild – warum gehört dieses Bild hierher?
M.M. Ich habe mir sehr viele Bilder angeschaut und dann geht es darum, wie sie miteinander kommunizieren. Und dies ist eines meiner Lieblingsfotos. Es ist mein Vater. Er trägt einen blauen Anzug, hält einen großen Blumenstrauß in der Hand und geht weg. Ich liebe die Anonymität und die Bewegung – es ist still und kraftvoll.
M.Ë Es war also wirklich eine emotionale Auswahl?
M.M. Genau. Das sind Werke, mit denen ich in meinem Atelier lebe, Bilder, die ich jeden Tag sehe. Sie lösen etwas in mir aus. Das wünsche ich mir auch für andere – Verbundenheit, Emotionen, einen Funken Freude.
M.Ë Wie kam es zu Ihrer Zusammenarbeit mit Bvlgari und wie war diese Erfahrung?
M.M. Ich liebe diese Marke! Bvlgari hat eine lange Tradition in der Förderung von Kunst und Kultur auf der ganzen Welt. Es liegt ganz in der DNA des Hauses, Frauen und ihre Kunst zu unterstützen. Meine tschechische Freundin Martina hat mich diesem inspirierenden Team von Menschen vorgestellt – kreativ, nachdenklich, voller Ideen. Es fühlte sich an wie der Beginn von etwas Bedeutungsvollem.
M.Ë Auf einigen Ihrer Porträts sehen wir wunderschönen Schmuck und unglaubliche Kleider. Was hat Ihren Stil geprägt?
M.M. Meine Mutter ist mein ewiges Vorbild, ein absolutes Original. Stella, meine Schwester, die Modedesignerin ist, lässt sich oft von unseren Eltern inspirieren, und ich tue das auch, auf meine eigene Weise. Allerdings arbeite ich nicht wirklich viel im Modebereich; ich sehe mich eher als Porträtfotografin. Ich liebe Mode, ich liebe schöne Dinge, aber sie müssen sich echt anfühlen. Stil sollte ein wenig ambitioniert sein, ja, aber auch bodenständig – etwas, das einem ein gutes Gefühl gibt und dennoch mit der Realität verbunden ist.
M.Ë Fotografieren Sie auch, wenn Sie nicht arbeiten?
M.M. Ich versuche es. Wenn ich es nicht tue und etwas verpasse, nenne ich das einen „Soul-Camera-Moment“ – etwas, das mir meine Mutter beigebracht hat. Wenn man einen Schnappschuss verpasst, ist das okay, denn man hat ihn stattdessen mit seiner Seele eingefangen. Darin liegt ein echter Wert – Dinge beiseite zu legen und einfach nur präsent zu sein. Handys können ablenkend sein; manchmal ist es einfach das Beste, nur zu schauen. Wenn ich allerdings eine echte Kamera dabeihabe, bin ich tatsächlich mehr verbunden.
M.Ë Was hat Sie dazu gebracht, Fotografin zu werden?
M.M. Die Schwarz-Weiß-Fotografie hat mich die Fotografie wirklich lieben gelehrt, da ich mit Bildern von Henri Cartier-Bresson und Diane Arbus aufgewachsen bin – diese wunderschönen, schwarz-weißen, körnigen Qualitäten.
M.Ë Welche Art von Fotografie fühlt sich wie Ihre eigene an?
M.M. Ich liebe es wirklich, hinter die Kulissen zu schauen. Ich glaube, weil ich als Kind auf Tournee aufgewachsen bin, habe ich gesehen, wie die Crew das Bühnenbild aufgebaut hat und wie viel harte Arbeit darin steckte. Wenn ich mir ein Theaterstück oder ein Ballett ansehe, denke ich oft: Wie ist diese Person hierhergekommen? Sie sind einfach unglaublich! Ich stelle mir vor, wie viel Engagement sie haben, wie sie ihr Leben diesem Prozess gewidmet haben. Das inspiriert mich!
M.Ë Sehen Sie Ihr Zuhause als eine Art Selbstporträt?
M.M. Ja, aber ich habe viele Gemälde. Und viele Bücher – überall Kunstbücher. Ich finde endlose Inspiration in Museen, wenn ich mir Gemälde, ihre Komposition und die Beleuchtung anschaue. Ich habe auch Zeichnungen und persönliche Stücke, die mir geschenkt wurden. Ich bin keine Sammlerin im großen Stil, es geht mir eher um das, was sich persönlich anfühlt. In meinem Atelier bewahre ich nur meine eigenen Werke auf. Das hilft mir, mit meiner Arbeit in Verbindung zu bleiben. Zu Hause ist es eine Mischung – Bilder, Gemälde, Erinnerungen.
M.Ë Sie scheinen ständig kreativ zu sein. Wie halten Sie diesen Fluss aufrecht – haben Sie ein Geheimnis oder einen Ratschlag?
M.M. Ich bin immer auf Entdeckungsreise. Wo auch immer ich bin, gehe ich gerne spazieren – in London, Prag, jeder Stadt, in der man herumschlendern und Dinge entdecken kann. Menschen beobachten, Parks, kleine Märkte, sogar Essen inspirieren mich. Ich denke darüber nach, woher die Dinge kommen, wer sie hergestellt hat, an ihre Geschichten. Neugierig und optimistisch zu bleiben ist das Wichtigste. Viele meiner Fotos entstehen aus kleinen, alltäglichen Momenten, die mir unterwegs auffallen. Man muss nur die Augen offen halten – Kreativität lebt von der Beobachtung.
M.Ë Die Ausstellung in Prag dreht sich um das Thema Mut. Wie hat sich Ihr eigenes Verständnis von Mut im Laufe der Zeit entwickelt?
M.M. Er ist gewachsen. Wenn man jünger ist, fragt man sich oft: Was ist mein Weg? Mit der Zeit hat sich mein Mut dahin entwickelt, zu verstehen, wofür ich mich begeistere, und dabei zu bleiben – mich nicht ablenken zu lassen. Die Welt und die Nachrichten beeinflussen mich sehr, und ich denke, echter Mut bedeutet für mich, das Gute in den Menschen und im Leben zu sehen und positiv zu bleiben. Denn diese Energie überträgt sich auf andere. Ich liebe es, mit freundlichen, rücksichtsvollen Menschen zusammen zu sein – diese Großzügigkeit strahlt aus. Was auch immer ich tue, ich möchte, dass es eine positive Wirkung hat.
„Das ist mein Vater, aufgenommen an einem Ort, den ich wegen seiner Unverfälschtheit liebe – abblätternde Wände, Spuren von Geschichten. Das Bild hat eine gewisse Schwere. Man spürt ihn, aber man spürt auch alle, die vor ihm dort waren. Ich habe es nur einmal öffentlich gezeigt, und es passt perfekt zu dieser Ausstellung.“
„Liv ist von Natur umgeben und blickt zum Himmel. Es ist romantisch und sanft, fast magisch. Es hat dieses Gefühl von Freiheit und Leichtigkeit, das die ganze Ausstellung zusammenhält – Mut, Schönheit und ein stilles Gespräch mit der Natur. Sie ist melancholisch und romantisch, umrahmt von Blumen, die ihrer Persönlichkeit etwas Magisches verleihen. Wenn sie zum Himmel aufblickt, fühlt es sich an wie ein Moment der Verbindung mit der Natur und der frischen Luft.“
Als sich die Türen öffnen und die ersten Gäste durch die Galerie schlendern – elegante Abendkleider gleiten über den Marmorboden, Bvlgari-Juwelen fangen das Licht ein –, verändert sich die Atmosphäre. Die Menschen sind von nah und fern angereist, um diesen fantastischen Abend zu erleben. Der römische Juwelier ist Gastgeber des Abends, und der Glamour ist in voller Blüte.
Mary McCartney verschwindet für einen Moment und kehrt dann in einem fließend geschnittenen Jumpsuit zurück – lächelnd und strahlend inmitten des Stimmengewirrs und des Klirrens der Gläser. Plötzlich scheint dieselbe ruhige Gelassenheit, die ihre Fotografien auszeichnet, wieder den Raum zu prägen. Es gibt keine Distanz zwischen Künstlerin und Publikum, nur Verbundenheit.
Später, als Musik durch die Marmorhallen des Rudolfinums schallt, steht McCartney einen Moment lang am Rand der Menschenmenge und beobachtet die Gäste, die ihre Fotografien bewundern. Sie steht vollkommen still da und beobachtet einfach nur.
Vielleicht einer dieser Soul-Camera-Moments.
Mary McCartney