Henry Moores Einfluss
auf die Mode­

(Kunst und Mode) In der Welt der modernen Bildhauerei gelten die Objekte des englischen Künstlers Henry Moore als zeitloses Symbol, das die Grenzen der Epochen überdauert. Bereits zu Lebzeiten gefeiert und weit darüber hinaus wirksam, prägte Moore das 20. Jahrhundert mit seinen monumentalen, halb-abstrakten Werken. Heute sind über 380 Skulpturen von Moore in 39 Ländern öffentlich zugänglich – ein eindrucksvolles Zeugnis seiner weltweiten Resonanz.

Moores Arbeit war zugleich geprägt von engen Kooperationen mit Architekten – von I. M. Pei bis Sir Frederick Gibberd –, die ihn einluden, Werke zu schaffen, die nicht bloß schmückten, sondern Räume neu definierten. Moores Skulpturen wurden zu Ankern der modernen Architektur, indem sie eine symbiotische Beziehung zwischen Form und Umgebung eingingen.

Häufig nimmt Moore in seinen Objekten Bezug auf den menschlichen Körper und findet damit Resonanz in den skulpturalen Strömungen, die heute auch in der Mode aufblühen. Seine weichen, organischen Formen und die Erkundung des Raumes sind zu einer unerschöpflichen Inspirationsquelle für Designer:innen geworden, die – wie Moore – die menschliche Figur in neue Dimensionen und Ausdrucksweisen übersetzen wollen.

Modellierte Details und Silhouetten rücken den Körper ins Zentrum, die Moores Werken gleich die menschliche Gestalt abstrahieren. Durch präzises Tailoring und kunstvolles Layering entstehen Kleidungsstücke, deren Eleganz an monumental geformte Werke erinnert. Die Kleidungsstücke überschreiten die Grenze reiner Bekleidung und werden zu Sammlerstücken. Mode schöpft wie Kunst aus Moores Formensprache und richtet sich an ein Publikum, das Kleidung als bleibende Investition in Schönheit und Bedeutung versteht.

Victoria Beckham – Rollen als Ritual
Victoria Beckhams Auseinandersetzung mit dem Ritual des Ankleidens ist in der Realität verwurzelt und zugleich von einer subtilen künstlerischen Sensibilität durchdrungen. Mäntel und Kleider offenbaren Säume, die sich zu skulpturalen Rollen winden, während das charakteristische Rollkragen-Design dieser Saison als Höhepunkt der Laufstegshow hervortritt.

Ferragamo – Geometrie in Bewegung
Maximale geometrische Formen und Drapierungen definieren die minimalistische Garderobe neu und bewahren zugleich die Idee der Kleidung in
Bewegung. Ferragamo Kreativdirektor Maximilian Davis führt die Mode in eine höhere Sphäre. Dabei entstehen Kleidungsstücke, die nicht nur getragen, sondern auch als Investitionen gedacht werden können.

Toteme – Architektur der Leichtigkeit
Im Zentrum dieser Kollektion stehen fließende, um den Körper geschlungene Strickteile mit architektonisch anmutenden Details, die die weibliche Form umarmen und neu interpretieren. Die Rückkehr der entspannten Taille wird vor allem in einer glänzenden Satinbluse sichtbar.

The Row – Kokon als Rückzugsort
Hier werden die feinen Spannungen zwischen Introvertiertheit und Extrovertiertheit, zwischen privatem und öffentlichem Leben debattiert.
Kragen skulpturieren den Hals, Schultern runden sich zu weichen Bögen, Träger:innen verwandeln sich in skulpturale Kunstwerke. Experimentelles Layering führt zu Silhouetten von kontemplativer Eleganz.

Alaïa – Kurven als Kontinuum

Pieter Mulier führt das expressive Erbe des Hauses Alaïa fort und spinnt seine skulpturalen Codes für ein neues Jahrzehnt. Kurven und Volumen zollen der Arbeit von Azzedine Alaïa auf zeitgenössische Weise Tribut – Kleidungsstücke können auch hier gesammelt und getragen werden. Maßgeschneiderte Hosen werden mit skulpturalen Kapuzen kombiniert und mit Mänteln mit voluminösen Schultern ausgestattet.